Primer Festival Gotico Cultural de El Salvador

Un evento sin precedentes en nuestro terruño (El Salvador), un pequeño evento pensado en aquellas personas que buscaban un lugar para expresarse exponiendo sus obras de arte (pinturas, fotos, dibujos, etc.) o declamando sus poemas, y claro también habrá lugar para los que quieran un poco de música.

Dejamos claro que NO se permitirá el ingreso de bebidas alcohólicas DE NINGUNA ESPECIE, ni de ningún otro tipo de droga ilegal(ya saben a que nos referimos) así que guarden el “MONTESITO” para otra ocasión, por favor demuestren a esa gente de allá afuera que tanto nos critica, que la gente que se siente atraída por este tipo de cosas oscuras puede disfrutar de un evento de estos sin necesidad de estar bajo los efectos de las drogas, quieren que la gente deje de tener prejuicios con respecto a nosotros pues den un paso hacia adelante e inténtenlo, sino pues por motivos de seguridad nos veremos en la penosa obligación de sacar gente, y no es justo que solo por un par de “porros” o “traguitos” tengan que salir de esa forma, así que o se aguantan o se arriesgan, también aclaramos que NO se dejara ingresar al evento a personas en estado de EBRIEDAD, ni bajo ningún otro estado de dopaje que se pueda percibir, y si no pueden contener la ganas de ponerse ebrios o de ponerse “pedo” pues mejor ni se molesten en llegar, sinceramente eso lo pueden hacer en sus casa y con mucha mas comodidad, así que pongan de su parte pues este es el primer evento de esta clase que se realiza en nuestro país y no queremos que sea el ultimo.

En cuanto a la inscripción para el concurso de declamación de poemas pues manden un correo a esta dirección: gothicsv@hotmail.com con el tema “inscripción concurso de poesía” y también si están interesados en mostrar su arte de otra forma como dibujos o pinturas o cualquier otra forma de expresión de arte pues mande un correo a esa misma dirección con el tema “arte”, el orden que se piensa tener para el concurso de poesía es por orden de llegada(o sea los primeros en inscribirse serán los primeros en declamar) o talvez sea sorteado, como la mayoría decida.

Y por ultimo pero no menos importante, sean discretos en cuanto a este evento, si se enteraron bien por ustedes, y si conocen a alguien que de veras se sienta atraido por la cultura gótica y todas o algunas cosas que esta implica pues invítenla siempre manteniendo la DISCRECION, no queremos que el evento se llene de gente que al final o solo va porque “quiere ver que ondas” o de tipos que creen que es un evento metalero, con el respeto que los metalheads se merecen pero en este evento no se tiene planificado emular nada de lo que se ve en los toques de esa índole en donde la decadencia es lo que abunda.

P.D.: Si no les gustan las normativas del evento en cuanto a la seguridad y la forma en que queremos llevar las cosas pues sepan que eso NOS IMPORTA POCO, como quien dice: NOS VALE VERGA LO QUE PIENSEN. Y si por eso el evento va ser un fracaso pues que lo sea pero preferimos eso a que el evento se vea empañado de otra forma.

Asi estuvo el Wave Gotik Treffen 2008!!!

Maldicion solo al ver esto me da una mezcla de emociones, pero bueno ni modo...
dichosos los que pudieron asistir.

10 Años Sin Rozz Williams (Pequeño Tributo)

Este es un pequeño tributo q queremos rendir al gran maestro de la oscuridad, Rozz Williams, ya q en un dia como hoy hace ya 10 años decidio adelantarse en el camino y acelerar su muerte procediendo al suicidio, no creo q sea necesario colocar la biografia de Rozz Williams, creo q ya es de todos sabido que fue miembro de la extraordinaria banda Christian Death, asi como de otros proyectos como Daukus Karota, Premature Eyaculation y Shadow Project esta ultima banda junto a su esposa Eva Ortiz(Eva O).


Como staff de Elsalvadorgotico, estamos concientes q con rendirle tributos a estos q fueron grandes artistas(artistas de verdad), no es suficiente, pues el legado q dejo Rozz es infinitamente genial y en toda de la extencion de la palabra magnifica. Tambien somos concientes q si bien esto no es suficiente, preferimos difundir un poco de nuestra cultura y de nuestras influencias (en cuanto a musica gotica se refiere), a quedarnos solo en el immortal recuerdo. No quiero extenderme mas, esta entrada era solo para recordarles q a pesar q la dulce muerte ya tiene entre sus brazos a uno de los q en mi opinion fue y es uno de los mas grandes referentes del gothic esto no implica q tu trabajo tambien este muerto. Y al mismo tiempo incentivar a las nuevas generaciones goticas a no dejar morir ni en el olvido toda la grandiosa obra de Rozz tanto musical y como poetica(xq tambien era poeta).

LARGA VIDA AL GOTH!!!
LARGA VIDA AL MAESTRO DEL DEATHROCK!!!
LARGA VIDA A ROZZ WILLIAMS!!!

Rozz Williams (November 6, 1963 – April 1, 1998)

Catedrales goticas

Catedrales goticas

Catedral de santa ana

catedral de santa ana

Comenzada en el siglo XII y perfeccionada en el siglo XIII, la catedral gótica sigue siendo uno de los grandes triunfos artísticos de la Alta Edad Media. Encumbrándose casi como si fuese a tocar el cielo, fue un símbolo apropiado de la preocupación de las gentes del medioevo respecto a Dios.

Dos innovaciones fundamentales del siglo XII posibilitaron la existencia de las catedrales góticas. La combinación de las bóvedas acanaladas y de los arcos punteados reemplazaron las bóvedas cilíndricas de las iglesias románicas y permitió a los constructores hacer que las iglesias góticas fuesen más altas que sus contrapartes románicas. La utilización de los arcos punteados y de las bóvedas acanaladas creó una sensación de movimiento ascendente, una sensación de ingravidez vertical que implicaba la energía de Dios. Otra innovación técnica también resultó importante. El contrafuerte, básicamente un pilar de piedra muy arqueado que se construía fuera de los muros, posibilitó la distribución del peso de los techos abovedados de la iglesia en dirección hacia abajo y hacia afuera, lo cual eliminaba los pesados muros utilizados en las iglesias románicas, como soporte del peso de las enormes bóvedas cilíndricas. Por tanto, las catedrales góticas se construyeron con muros delgados que se complementaban con magníficos vitrales, lo cual creaba un juego de luces en su interior, que variaba con el Sol en diferentes momentos del día.

Los artesanos medievales de los siglos XII y XIII perfeccionaron en arte de los vitrales. Pequeñas piezas de vidrio se teñían con brillantes colores como joyas. Esta preocupación por la luz coloreada en las catedrales góticas no fue accidental, sino que fue ejecutada por gente inspirada en la creencia de que la luz natural era un símbolo de la divina luz de Dios. La luz es invisible, pero permite a la gente ver; de esta misma forma, Dios es invisible, pero su existencia permite que el mundo de la materia exista. Los que estaban anonadados por el significado místico de la luz también estaban impresionados por el significado místico del número. Las proporciones de las catedrales góticas se basaron en razones matemáticas cuyos constructores creían que se derivaban de la escuela antigua griega de Pitágoras, y que expresaban la armonía intrínseca del mundo tal y como la estableció su creador.

La primera catedral enteramente gótica fue la iglesia de la abadía de Saint-Denis, cerca de París, surgida de la inspiración de Suger (el famoso abad del monasterio que ejerció ese cargo de 1122 a 1151) y que se construyó entre 1os años 1140 y 1150. A pesar de que el estilo gótico fue un producto del norte de Francia, a mediados del siglo XIII la arquitectura gótica francesa se había diseminado en Inglaterra, España y Alemania, de hecho a casi toda Europa. Este estilo gótico francés tuvo sus expresiones más brillantes en las catedrales de París (Notre Dame), Reims, Amiens y Chartres.

La catedral gótica supuso el trabajo de una comunidad completa. Todas las clases contribuían en su construcción. Se recolectaba dinero de la gente acaudalada de la villa que había prosperado gracias al nuevo comercio y a las industrias recientes, así como de los reyes y nobles. Los maestros albañiles, que eran arquitectos e ingenieros, diseñaban las catedrales. Delineaban los planos y supervisaban el trabajo de construcción. A los mamposteros y a otros artesanos se les pagaba un salario diario y proporcionaban la mano de obra especializada para construir las catedrales. De hecho, estas construcciones fueron las primeras estructuras monumentales importantes construidas por una mano de obra libre y asalariada.

La construcción de las catedrales a menudo se convirtió en una competencia cerrada, en la medida en que las comunidades rivalizaban entre sí para tener una torre más alta; rivalidad que, en ocasiones, terminaba en desastre. La catedral de Beauvais, en el norte de Francia, se derrumbó en 1284 tras alcanzar una altura de ciento cincuenta y siete pies. Las catedrales góticas también dependieron de la fe de la comunidad. Después de todo, a menudo se necesitaban dos o más generaciones para terminar una catedral; por lo que la primera generación de constructores debía comenzar, a sabiendas de que tal vez no vivirían para ver completado el proyecto. Pero, lo más significativo de todo, es que una catedral gótica simbolizaba la principal preocupación de una comunidad cristiana medieval, su dedicación a un ideal espiritual. Como hemos observado, el edificio más grande de una era refleja los valores de su sociedad. La catedral gótica, con sus torres que subían hacia el cielo, dio testimonio de una era en la que el impulso espiritual aún subyacía en la mayor parte de la existencia. Los vitrales de las catedrales góticas son notorios por la belleza y variedad de sus colores, Estos representan un sorprendente número de escenas, como puede observarse en esta icografía.

Las Gárgolas

Las gárgolas son elementos decorativos destinados a evacuar el agua de lluvia de los techados.
Se encuentran en los estribos, en los arbotantes...

Sin embargo, en vez de ser sencillos tubos de desagüe, son obras escultóricas y tienen la originalidad de ser grotescas

La mayoría son monstruos que evocan algún tipo de demonio, adoptan posiciones poco elegantes ya que sus orificios naturales tienen que permitir la expulsión del agua en tiempo de lluvia: escupen, vomitan, orinan, lloran...

La Bóveda de crucería

La bóveda de crucería proviene del cruce de dos bóvedas.
En el caso de las catedrales góticas, las bóvedas que se cruzan provienen de arcos ojivales, inicialmente muy altos, y se apoyan sobre nervaduras.
La maduración del arte gótico provoca una división cada vez mayor de las crucerías y una multiplicación de las nervaduras al mismo tiempo que la bóveda se hace más plana.
El aspecto de la bóveda, visto del interior, llega a ser el de una serie de abanicos.
Las Columnas y los Pilares góticos

Las nervaduras de los arcos distribuyen la presión de las bóvedas en unas columnas delgadas. Éstas se apoyan en las paredes del clerestorio, Mas sin ejercer fuerza, ya que descargan su presión en los pilares que se encuentran en la parte inferior del edificio, separando la nave central de las laterales.
El número de columnas depende del número de nervaduras en la bóveda.
Con el paso del tiempo, las columnas se hacen más delgadas así como los pilares que las sostienen y los adornos de los capiteles, temas vegetales (hojas de cardo, de vid, de hiedra,de roble...), más complejos.

Arbotantes, contrafuertes y pináculos.
Se encontró la manera de llevar la presión de las bóvedas hacia el suelo sin la necesidad de paredes muy gruesas, pero el empuje que se ejerce a través de las nervaduras sigue inclinado por lo que se deben usar contrafuertes para contrarrestarlo.
Sin embargo, dado que la nave central es más alta que las laterales, es necesario transmitir de alguna manera la
presión que se ejerce desde la bóveda central hasta estos contrafuertes, colocados contra la pared más externa del edificio, la pared de las naves laterales.
Ese es el papel que juegan los arbotantes, arcos incompletos, exteriores al edificio y que unen la bóveda a los contrafuertes.
Los contrafuertes están rematados en su parte superior por unos adornos verticales, alargados y punteados, los pináculos

Los vitrales

Los vitrales son a la vez un elemento arquitectónico, escultórico y pictórico.
Son parte de la arquitectura porque son ventanas y porque son limitados por el mismo tipo de arco ojival que se encuentra en las bóvedas, porque son adornados por archivoltas de pequeños arcos, porque son separados por pequeñas columnas y porque cada uno de ellos es sostenido por marcos de piedra de diversas formas.
Son elementos escultóricos porque los marcos de piedra que sostienen las diferentes partes del ventanal, círculos, ojivas, triángulos curvos, van formando figuras de gran delicadeza, como los rosetones de las fachadas.
Son elementos pictóricos, porque, además de dejar pasar una luz mística, sus vidrios de brillantes colores unidos por hilos de plomo representan en dos dimensiones escenas de la vida diaria o del acervo bíblico.

Ankh - Breve Historia

El Anj (en inglés: Ankh, en alemán: Anch, en francés: Ânkh; pronunciado en todos estos idiomas: Anj) es un jeroglífico egipcio que significa "vida" y su forma se denomina cruz ansada (cruz con la parte superior en forma de óvalo o lazo, ansa -asa-). Símbolo muy utilizado en la iconografía religiosa de esta cultura.
Si se relaciona con los dioses (necher en antiguo egipcio) representa su inmortalidad, su inmanencia, afirmando así su condición de eternos; en cambio, relacionado con los hombres, significa la búsqueda de la inmortalidad, razón por la cual es utilizada para describir la vida en contraste con la muerte, o bien con la idea de vida después de la muerte, entendida como inmortalidad, al principio sólo del faraón, y siglos después de todos los egipcios, al evolucionar sus creencias.
Muchas veces se relacionó a la figura del anj con la diosa Isis y con su esposo Osiris, ya que éste último fue asesinado por su hermano. Su esposa, consecuentemente, lo resucitó usando la magia.
Varios faraones incluyeron este jeroglífico en su titulatura, como el célebre Tutanjamón (Tut-anj-Amón) "Imagen vivente de Amón"

su origen

Si se observa la evolución de la escritura jeroglífica egipcia, es probable que el "anj" derivara, o tuviera relación, con el signo jeroglífico del anillo con sello. En el antiguo Egipto el jeroglífico del sello, posible precedente de los cartuchos, se utilizó para enmarcar y "proteger" el nombre de los faraones, al encerrar los signos de su nombre dentro de él.

Otras hipótesis

Una hipótesis más, que no es excluyente de la anterior, supone que la "T" de la parte inferior del "anj" representa, muy estilizadas, las líneas en cruz que forman las dos piernas juntas y el pubis de la mujer, mientras que el asa representaría al útero (es curiosa la semejanza entre el signo del "anj" y el signo de mujer; ver más adelante: el "espejo de Venus"), a esta representación se la ha denominado "llave de la vida".

Otro posible origen del símbolo sería prácticamente el mismo que el neocananeo (cartaginés) para Tanit; en efecto, muchas veces el símbolo de la principal diosa cartaginesa es muy similar al del "anj". En el caso del origen del símbolo que representa a Tanit, éste parece representar sintéticamente a la deidad femenina vestida con los brazos abiertos ("en cruz"), siendo el círculo sobre la "T" una estilización de su cabeza. En tal caso, si la génesis del "anj" fuera semejante a la del símbolo de Tanit, el "anj" habría representado originalmente a alguna gran diosa egipcia (Isis o Hathor por ejemplo).

Evolución del uso y la forma del "anj"

Busto copto con "cruz con asa"
Desde el siglo II dC, con la difusión del cristianismo en el Valle del Nilo, se produjeron sincretismos: uno de ellos fue la adopción por parte de los cristianos egipcios (después llamados coptos) del símbolo "anj" como un modalidad de cruz cristiana.
Las misiones de monjes cristianos que desde el siglo III partieron desde Egipto difundieron, muy probablemente, el antiguo símbolo hacia lugares distantes. Así se habrían originado la cruz irlandesa, por una parte, y la cruz armenia por la otra, ambas con un círculo en el centro.

Símbolos similares

Un símbolo similar (♀) se utilizaba para representar a la diosa romana Venus. Este símbolo, llamado "espejo de Venus", parece estar más relacionado con el útero.

Símbolo femenino, de Venus y el cobre
En astrología el mismo símbolo se emplea para representar el planeta Venus, en biología para hacer referencia al sexo femenino, y en alquimia para el cobre.

Gothic Lolita

El Gothic Lolita o Gothloli (a veces alternandose con Loli-Goth) es una sub-categoria de la "Moda Lolita", tendencia cultural pública entre las chicas adolescentes Japonesas y en menor escala, los chicos adolescentes y mujeres jovenes-adultas.

La moda Gothic Lolita enfatiza el Estilo Victoriano y Eduardiano en sus trajes y seguidamente, tratan de imitar el estilo victoriano de las muñecas de porcelana. El periodo Rococó tambien influye al estilo Lolita. En general, la estética Gothic Lolita aplica la presencia de una niña Gothic Lolita, como todo el genero Lolita. El nombre de Gothloli es devido a la unión o conbinación del Lolita con la Moda Gothic.

El Gothic Lolita es la sub-categoria mas conocida del genero Lolita. Otras categorias son las Classic Lolita, cuya imagen es un poco mas madura e incluye mucho mas color que solo el negro y blanco; y el Sweet Lolita que se identifica con los colores pasteles de un postre.




Historia
El Gothic Lolita tipico nació aprox. en 1998 y se hizo más popular y disponible a las masas por medio de las Boutiques y algunas tiendas de Ropa para el 2001. Algunos observadores consideraron esta reacción como un tipo de "Kogals" en Shibuya, pero muchos estan en desacuerdo con ello.

La popularidad del Gothloli es muy distinta y la comunidad llegó al apogeo al rededor del 2004 - 2005 en Tokio y actualmente esta asentada como una de las tantas formas de Moda Joven Alternativa. La popularidad que tiene fuera de Tokio crece lentamente en muchas areas asi mismo como el fenomeno Maid cafe.

El gothic Lolita fue fuertemente popularizado por bandas Visual Kei (o visual rock). Mana, el lider de la banda visual kei Malice Mizer, es el que más ayudó a la popularidad y comercialización de la imagen Gothloli. Él acuñó los terminos Elegant Gothic Lolita (EGL)y Elegant Gothic Aristocrat (EGA) para describir su estilo Moi-même-Moitié, fundado en 1999.

Otras figuras importantes es la cantante Kana, quien seguidamente modelaba trajes Goth loli para revistas japonesas; y Mitzukasu Mihara quien dibujó los primeros 8 covers de la "Lolita Bible" y "Gothic". Mucha gente es atraida a este tipo de estetica por la belleza y detalle de los trajes, quizas como una remembranza de aquellas epocas de trajes esquisitos en comparación a la moda minimalista actual.




Lolita
Aunque el termino de "lolita" esta ligado a la novela de Vladimir Nabokov, el termino es distinto en oriente por el hecho de que el público japones no tuvo conección alguna con la novela hasta que fue introducido de forma sugestiva por el Gothic y Lolita Blible. El termino Lolita en Oriente está mas dirigido a la presencia inocente de niña o pequeñas muñecas, cuya expresión visual es más bella y elegante que sexy. Muchos estan en contra de esta visión ya que lo ven ofensivo, pero las Lolitas defienden su posición alegando que sus trajes son más elegantes y de más calidad que los trajes contemporaneos modernos.




Kogals: Subcultura de chicas adolescentes y mujeres jovenes urbanas Japonesas. Se caracterizan por tener altos ingresos que gastan en moda, musica y actividades sociales, actividades de las que tienen gustos muy particulares. Las kogals llevan zapatos de plataforma y minifalda, cantidades copiosas de maquillaje, tinte de pelo (normalmente rubio), bronceado artificial, uniforme escolar y accesorios de diseño. Son asimismo grandes consumidoras de la telefonía móvil japonesa. Hacen de las compras una forma de vida y su cultura gira en torno al distrito de Shibuya en Tokio. El materialismo y la dependencia social que subyace en la moda kogal puede reflejar la inseguridad que sienten las estudiantes de secundaria.

Maid cafe : los Cosplay Restaurants, originados en el 2000 en Akihabara, Tokio. Estos lugares incluyen Maid Cafes y Butler Cafes donde el personal de servicio esta vestida a modo de Cosplay, elegantes meceras o Butler. Ese tipo de Cafes se convirtieron en un gancho para la atención de la Cultura Otaku en Japon.

Estilo Victoriano: La era victoriana marcó los 80´s en la revolución Industrial de la Gran Bretaña. A pesar de que es usado para referirse al periodo de la reina Victoria de Gran Bretaña (1837 - 1901), muchos academicos debaten si el periodo victoriano empezó con el pasage de la reforma Act de 1832, que cambio la franquisia electoral en Reino Unido. Cuando la reina Victoria llegó al trono, Gran Bretaña era campesina y rural, y a su muerte el país estaba ya altamente Industrializado. El Estilo Victoriano se caracteriza por el exceso de detalles y adornos, en la que la forma prevalece mucho más que el fondo. Esto se aprecia en los muebles de la época.

Estilo Gótico : El Estilo Gótico Arquitectónico, fue un movimiento originado a mediados de los 80´s de Inglaterra. En los 90´s, los estilos Neo-Goticos revivieron estas tendencias medievales, en distincion a los estilos clasicos ya existentes en ese tiempo. El Movimiento Gotico influenció significativamente en Reino Unido de los 90´s, como en Europa y Estados unidos; que en el sigo 19 y 20 se hicieron mas construcciones Góticas que en la epoca original.

Breve Reseña del Wave Gothik Treffen

El Wave Gothik treffen, del aleman Das Treffen que significa "reunión", es un festival anual de musica y artes en Leipzig, Alemania. 150 bandas musicales y artistas de varias vertientes (Goth rock, EBM, Darkwave, Noise, Neofolk, Experimental, etc) tocan en escenarios que ocupan avenidas a travez de la cuidad de Whitsuntide a lo largo de 4 dias. El festival tambien comprende la venta publica de elementos goticos, medievales y culturales.

Historia

El primer intencio de crear el Treffen fue hecho en 1987 en Potsdam. Sin embargo, por las leyes de la republica Democrática de Alemania, hizo que este tipo de eventos sea ilegal, y por ello no paso de algunos cientos de visitantes. En 1992, despues de la re-unificación Alemana, el 1er festival oficial del Gothic Treffen fue realizado en el Eiskeller Club en Leipzig. Después de eso, el numero de visitantes aumentó considerablemente y más y mejores bandas del género participaron de dicho evento año a año.

La instalación más grande del WGT fue en el año 2,000 con más de 300 presentaciones y un estimado de 27, 000 visitantes. Sin embargo, ese año el festival sufrió un colapso financiero y tuvo que ser cancelado al 3er dia. Despues de eso, el festival ha tenido visitantes que van desde los 18,000 a los 21,000 personas por año, y muchos de ellos regresan despues de su primera experiencia. Conocido como el mejor festival Gótico, es el punto de reunion de muchas personas en el mundo. Muchos de los visitantes alemanes optan por acampar creando grandes campañas, mientras que los extranjeros optan por hospedarse en los hoteles.

La Atracción

Claramente, la mayor atracción del Wave Gothik Treffen son los espectaculos de las bandas. Generalmente, el número de los actos musicales se acercan a unos 200, llenado el lugar de musica oscura del Folk acustico a las influencias Medievales y del death rock al electro / EBM / industrial. Además, existen tiendas renacentistas, merkados vikingos y paganos, premieres en CD/DVD de musica y peliculas, lugares de lectura, artistas cantando eventos, celebraciones de Absinthe (trago ceremonial espiritual); y ne las noches, pubs con dj´s de renombre. Puesto que los hoteles se llenan rapidamente, los visitantes pagan un extra por un Obsorbekarte, que les da acceso a las areas de campamento

Escultura Gótica

La escultura gótica se inicia a mediados del siglo XII en la Isla de Francia, alcanzando su apogeo en el siglo XIII y llegando a sus últimas manifestaciones en el primer tercio del siglo XVI. El escultor gótico abandona los convencionalismos que habían informado las manifestaciones escultóricas en el románico. El naturalismo, la humanización de la divinidad, la exposición clara y ordenada son los caracteres esenciales de la escultura gótica.
Al carácter rudo, con cierto convencionalismo, de la escultura gótica de la segunda mitad del siglo XII, sucede en el XIII la época de mayor esplendor de esta escultura en Francia, que se difunde por toda Europa occidental. Es la época de la construcción de las grandes catedrales. Es una escultura de belleza serena y majestuosa, de cierto sabor clásico, con vestidos sencillos, en los que los pliegues caen con gran simplicidad. A fines de este siglo se buscan los efectos pintorescos, se hace anecdótica y narrativa. Al tipo de belleza ideal, platónica, perseguida por los escultores del siglo XIII, se opone una corriente que sustituye la belleza abstracta por la real: es el arte del retrato. Al mismo tiempo los plegados se multiplican en numerosos y pequeños pliegues sinuosos, a los que contribuyen las siluetas de las figuras, que sé incurvan en un movimiento gracioso. Las Vírgenes, como el Crucificado en la Cruz, se incurvan apoyándose sobre una pierna, mientras el Niño juega con un pájaro, un fruto o una flor, bajo la complaciente mirada de su Madre.
A fines del siglo XIV se impone un estilo originario de Borgoña, en el que el arte del retrato se perfecciona y los vestidos pierden sus múltiples curvas caligráficas, que se transforman en pliegues angulosos y quebrados, como en la pintura. Sé copian escenas de la vida real para las representaciones, y la tendencia sentimental iniciada en el siglo XIV conduce al más hondo patetismo. Los temas patéticos se prodigan, la representación de martirios, la Piedad, los Cristos sangrantes, los esqueletos roídos por gusanos, cte., son habituales.
La escultura gótica se halla subordinada a la arquitectura. Desaparecen las representaciones iconográficas en los capiteles, que son reemplazados por temas vegetales, directamente inspirados en la naturaleza, en los que, no obstante, se mezclan a veces temas animados.

Son las portadas de las catedrales, fundamentalmente las de los pies del templo y brazos del crucero, los conjuntos más acabados de la escultura gótica. En ellas se desarrollan los temas iconográficos con la máxima claridad compositiva. Estatuas de bulto redondo, apóstoles o profetas, adosadas a jambas y mainel: tímpano, dividido en fajas, con relieves: Juicio Final, Vida de la Virgen o de Jesús, o vida de, Santos; y en las arquivoltas, bajo doseletes, ángeles, ancianos del Apocalipsis, u otras figuras, siguiendo la dirección, de la curva del arco.
Completan la decoración escultórica de la fachada otras esculturas, repartidas en torres y ángulos, o, como en Francia, galería de arcos que cobijan estatuas. Después de las portadas son los relieves del trascoro, y, sobre todo, las estatuas en las capillas funerarias, los que siguen en importancia.

Pintura Gótica
La peculiar estructura del templo gótico, que presenta escasos espacios aptos para ser decorados con pinturas murales, imposibilita el desarrollo de la pintura monumental" que presenta escasos ejemplares. Es en las vidrieras de los ventanales y en los códices miniados donde se desarrolla la pintura gótica, de la primera época; pero bien pronto, con la pintura en tabla, son los retablos los que alcanzan un principal interés y en los que se conservan las principales muestras de la pintura gótica.
En la evolución de la pintura gótica pueden distinguirse varias fases. Hacia 11250, la pintura gótica en Francia se halla plenamente formada, extendiéndose su influencia hasta mediados del siglo XIV. Alcanza esta pintura franco-gótica su momento culminante en la primera mitad del siglo XIV, coexistiendo luego con el estilo sienés hasta 1400. Esta pintura francogótica se halla inspirada en la técnica de los iluminadores, que siguen el estilo de las vidrieras y esculturas. Como en éstas, se renuncia a la estilización románica, tanto en las actitudes como en el estudio de las formas y paños, observadas en la realidad; aparecen con más frecuencia trozos de paisajes y construcciones en el fondo, con somero, estudio de perspectiva lineal, a la vez que en las figuras piérdese la majestad románica, sustituida por la tendencia hacia lo naturalista y anecdótico. Pero, no obstante, presenta ciertos convencionalismos que la caracterizan como a la escultura, es decir, el tipo oval de cabeza de trazos finos y boca menuda, y hacia finos del siglo XIII la característica incurvación del cuerpo, al que acompaña un adecuado tratamiento de los paños, con esa típica afición del gótico a la línea curva. Al mismo tiempo, el brillante colorido coadyuva a los efectos de belleza, recibido por influencia de vidrieras y miniaturas.

A mediados del siglo XIV, y durante la segunda mitad del siglo, la influencia italiana, en especial de Siena, se difunde por Europa. Es la escuela sienesa la que ha roto en Italia con los lazos de la estilización románica y bizantina y ha llegado, dentro de la línea del espíritu gótico, a los más profundos resultados en cuanto a las formas, junto a un rico y luminoso colorido, con lo que muestran las altas cualidades de la pintura para el adorno monumental de paredes y retablos. El estilo de Duccio, fijado por Simone Martini, cuyos trabajos en Avignon contribuyen a la difusión del estilo, se propaga por el occidente europeo. La escuela sienesa, más en armonía que la florentina con el estilo gótico del resto de Europa, renuncia con Duccio al formalismo de los prototipos de Bizancio, invistiéndole con naturalismo gótico, que triunfa con Simone Martini, más influido por el gótico francés.
Hacia fines del siglo XIV la manera sienesa, probablemente por una creciente influencia de lo flamenco y francés, comenzó a asumir algunas características que dieron por resultado la creación del llamado «estilo internacional», que prevalece en Europa hasta que es sustituido en, la segunda mitad del siglo XV por la influencia flamenca, última etapa del arte gótico. El estilo internacional presenta muchas características típicamente sienesas, tales como la afición a las figuras alargadas y líneas caligráficas, especialmente en los espléndidos ropajes, rico colorido y otras características que contribuyen a los efectos de riqueza y bajo los cuales los estudios de forma y espacio quedan reducidos al mínimo. Junto a estas características presenta un naturalismo no sienés y otras características, que es normalmente adscrito a artistas flamencos y franceses, tales como la introducción de temas secundarios, anecdóticos, con una cierta tendencia a la caricatura, incluso a la extravagancia: cuidados retratos, como en las pequeñas figuras de los donadores y, por último, la persistencia de la indumentaria francesa, entonces en boga, y que muestra, por otra parte, el indudable origen francés del movimiento.
Un último periodo lo representa, en la segunda mitad del siglo XV y primer decenio de la siguiente centuria, la difusión de la escuela flamenca, que propaga la técnica al óleo, las composiciones patéticas, el brillante colorido y la técnica minuciosa y en fin, todas las características de esta escuela, que constituye una de las bases esenciales en la formación de la pintura de la Edad Moderna.

Historia de la Arquitectura Gótica

Las plantas de los grandes edificios góticos no fueron muy diferentes de las de las grandes catedrales románicas: tres naves, transepto y cabecera con girola y capillas radiales. En el alzado se respetó la configuración de tres pisos superpuestos. Pero donde la arquitectura gótica es esencialmente diferente a la románica es en el sistema de abovedamiento, ya que en el románico se emplean pesadas bóvedas de medio cañón sobre arquerías de medio punto que debían soportar inmensos esfuerzos, en colaboración de gruesos muros. El arquitecto románico, como el gótico, buscó también el carácter ascensional del templo y la luz, pero se vio maniatado por los recursos arquitectónicos de que disponía. En su lugar, prefirió centrarse en el orden y la regularidad de las formas para transmitir armonía.
La arquitectura gótica se basó en el arco apuntado y la bóveda de crucería, además del arbotante.
El arco apuntado nació en el románico de Borgoña. La famosa abadia de Cluny III lo incorpora de manera majestuosa y es rápidamente difundido. El arco apuntado ejerce menos resistencia que el de medio punto al peso superior que soporta y su estilizada figura permite una estética ascensional que será explotada plenamente por el gótico.
El segundo, y primero en importancia, elemento esencial de la arquitectura gótica es la bóveda de crucería. Se puede afirmar sin demasiado titubeo que no hay ingenio arquitectónico tan polémico, estudiado y analizado como la misteriosa bóveda de crucería gótica.
El uso de bóvedas con nervios de refuerzo ya se usó en el mundo romano y posteriormente en la arquitectura musulmana y lombarda. Sin embargo, se considera que las primeras bóvedas que se pueden considerar precedentes de la futura gótica se desarrolló en el mundo anglonormando (como por ejemplo, la Catedral de Durham y las iglesias de Caen) aunque éstas son sexpartitas y los arcos de medio punto. Desde entonces este sistema de abovedamiento transformó el románico dotándolo de una cubrición para el que no estaba preparado y permitió el paso definitivo al mundo gótico puro.
Se ha escrito mucho y de manera opuesta sobre la razón de tal invento. La bóveda de arista románica es la formada por el cruce perpendicular de dos bóvedas de medio cañón. La bóveda de arista es usada de manera sistemática en el románico, en concreto para cubrir las naves laterales. Básicamente, la bóveda de crucería es el resultado del cruce de dos bóvedas de cañón apuntado soportada por dos arcos cruceros diagonales. Para algunos autores esta aclaración es primordial: la bóveda gótica no sería una bóveda "con" crucería (los nervios están embutidos en la bóveda y no soportan nada) sino una bóveda "sobre" crucería (los arcos son ajenos a los plementos de las bóvedas que apoya sobre ellos).
Pero aquí empieza la polémica. Para algunos autores y sobre todo para la corriente romántica del siglo XIX que idealiza el mundo medieval y su arquitectura, en especial el gótico, los arcos cruceros realmente soportan el total del peso de la bóveda que se cierne sobre ellos desplazando todo el peso, como cañerías que conducen el agua hasta el desagüe del suelo, a los cuatro puntos de arranque de los mismos. En un sentido literal, este sistema está basado en un equilibrio dinámico complejísimo que fallaría si cualquiera de los sillares de los plementos estuviera mal colocado o, peor aún, si las dovelas de los arcos cruceros se desajustaran.
Para otros autores, sin embargo, la importancia de estos arcos cruceros es muy inferior a la conferida inicialmente. Para ello se basan en la observación de iglesias y catedrales semidestruidas en las guerras europeas donde se pudo comprobar cómo las plementerías que habían perdido los arcos cruceros se mantenían perfectamente estables. Para ello no hay que pensar que uno de las grande avances de los canteros góticos fue trabajar con gran pulcritud los sillares de los plementos creando piedras de fino espesor y muy ajustados entre sí, que al fraguar la argamasa entre ellos dan como resultado una bóveda relativamente ligera y muy rígida y resistente. Para estos autores, los arcos cruceros no serían otra cosa que la manera de adornar las aristas de unas bóvedas con irregularidades como consecuencia de tener que abovedar tramos no cuadrados o proyectadas desde arcos a desigual altura. En palabras de Bango Torviso, las ojivas son "cimbras monumentalizadas en piedra". Ello justificaría que en el gótico final se construyeran bóvedas de crucería más complejas y barrocas con nervios de diseño caprichoso alejados completamente de cualquier utilidad arquitectónica y sí meramente decorativa.
Posiblemente entre estos dos extremos esté la verdad. Lo que es claro es que, en conjunto, estas estructuras liberan de casi todo el peso a los muros perimetrales, localizándolo en cuatro puntos determinados. Esto permite desmaterializar el muro mediante grandes vanos o ventanales con tracerías caladas en las que se encastraron hermosísimas vidrieras coloreadas. Para reforzar los puntos de evacuación del peso se reforzaron los contrafuertes ya usados de manera continua en el románico y sobre todo se empleó el arbotante, verdadero arco de apuntalamiento que conduce el peso soportado por las zonas de sostén definitivamente hacia el exterior del edificio a través de un contrafuerte situado en el exterior coronado por un pináculo.
Tan complejo sistema de esfuerzos y contrarrestos determina completamente el intrincado, y a veces abigarrado, aspecto exterior de las catedrales góticas, repletos de estribos, arbotantes y pináculos. No más sencillas son las fachadas principales. La típica fachada gótica se divide en tres cuerpos horizontales y tres secciones verticales o calles, donde se abren las tres portadas que se corresponden con las naves interiores. Las dos torres laterales forman parte del cuerpo de la fachada y se rematan frecuentemente por agujas o chapiteles. Por último, el gran rosetón calado, además de fuente de luz y color para el interior, supone un magnífico centro para la totalidad del conjunto.
Gótico temprano
Al gótico temprano no hay que confundirlo con los numerosos templos franceses y del resto de Europa de la primera mitad del siglo XII cuya planta y alzado es plenamente tardorrománico pero que adopta bóvedas de crucería como solución final. Estas iglesias -que en España son muy numerosas sobre todo a en la segunda mitad del siglo- suelen presentar como soportes pilares cuadrados o cruciformes con cuatro semicolumnas adosadas para recibir los arcos perpiaños y formeros. Al decidir posteriormente su cubrición con bóveda de ojivas hubo que improvisar ménsulas a cada lado de la columna superior para soportar los arcos cruceros. En algunos casos se prescindió de las ménsulas y los nervios cruceros apearon directamente en el muro siendo embebidos en éste. En ocasiones a este estilo tardío románico con bóvedas de ojivas se le ha denominado "románico ojival" y está más relacionado con las construcciones cistercienses que con un verdadero espíritu gótico.
Sin embargo, cuando un edificio es puramente gótico, con la intención de tener bóveda de crucería desde su origen, los soportes son "pilares compuestos" con columnas en las caras frontales y columnillas en las esquinas para apear las ojivas. Además el edificio gótico debe tener añadida -como vimos en apartados anteriores- una coherencia general basada en la altura y el cromatismo de la luz, que no poseen los templos híbridos antes descritos.
Por ello se admite que el gótico nace en la Isla de Francia, concretamente en la girola de las iglesia abacial de Saint-Denis, panteón real cercano a París y construida a partir de 1137, donde las finas columnas que soportan las bóvedas de crucería sin muros divisorios entre las diferentes capillas crean un espacio continuo y dinámico que servirá de base para el desarrollo de esta nueva arquitectura.
Tras los pasos de Saint-Denis siguió la construcción de uno de los templos más emblemáticos y conocidos de la arquitectura medieval europea: la catedral de Notre Dame de París -comenzada en 1163- donde se comienza a desmaterializar el muro y a buscar grandes alturas. (Ver foto inferior)
Después seguirían las catedrales de Laon y Noyon, donde se añade un cuarto piso (triforio) al tradicional sistema de arquerías, tribuna y claristorio. Otra características de estos edificios góticos iniciales es el empleo de la bóveda sexpartita bastante abombada (las claves de las ojivas están más altas que las claves de arcos formeros y perpiaños) para asegurar mayor verticalidad a los empujes.



Gótico clásico
Ya dentro del período clásico del gótico, la catedral de Chartres -comenzada en 1194- vuelve al alzado de tres pisos: arquería, triforio y claristorio, habiendo sido eliminada la tribuna, invento románico para reforzar las bóvedas de la nave central, siendo el superior o claristorio de enormes ventanales bíforos apuntados con rosetones, tréboles cuadrifolios, etc. Los sabios arbotantes de Chartres permiten eliminar el abombamiento de las bóvedas con lo que las claves de todos los arcos están al mismo nivel.
Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en 1210) y que sigue el esquema general de Chartres. Con sus equilibradas proporciones, Reims representa el momento clásico de serenidad y reposo en la evolución de las catedrales góticas.
La catedral de cinco naves de Bourges (comenzada en 1195) reduce la altura del claristorio en favor de la longitud de la arquería inferior y el triforio que alcanzan gran altura, pero sacrifica la luminosidad .
Amiens y Beauvais suponen el último peldaño de la gran arquitectura gótica francesa, donde la verticalidad y la luz -grandes anhelos del gótico- alcanzan su máximo esplendor. De entrada, el muro exterior del triforio del coro es calado por lo que también la nave es iluminada y coloreada mediante el piso intermedio. Las arquerías se elevan mediante arcos extremadamente apuntados y El claristorio se hace enormemente alto, comparable a la altura del piso de arcos formeros, con lo que la altura total de la bóveda alcanza los 50 metros en el caso de Beauvais.
Queda decir que las catedrales de Amiens y Bourges inspiraron las españolas de León y Burgos respectivamente.

Gótico radiante
En esta fase del gótico frances, la luz adquiere el total protagonismo ya que se desmaterializa el muro en detrimento de la altura para colocar vidrieras profusamente, en concreto, mediante rosetones (de aquí el nombre) o grandes vanos con tracerías caladas. La Sainte-Chapelle de París es el mejor ejemplo de esta arquitectura.
Gótico flamígero
La última fase de la arquitectura gótica francesa recibió el nombre de gótico flamígero o flamboyant, por el uso del arco conopial y las tracerías en forma de llama.
Las tres características más acusadas son el barroquismo de la decoración exterior de las fachadas (puertas y ventanales), la eliminación de obstáculos visuales que perjudicasen el aspecto ascensional y la complejidad decorativa (ya poco tectónica) de las bóvedas de crucería que incorporan infinidad de nervios trazando complejísimas figuras geométricas mediante terceletes, arcos combados, etc.
Esta decadente y barroca decoración llega a su máximo nivel en el llamado"estilo perpendicular" inglés donde se emplea la bóveda en abanico, como en Gloucester, Windsor, Westminster y el King’s College de Cambridge.

MUSICA GOTICA

Concretamente del punk de los 70 y de cierta influencia de The Velvet Underground, David Bowie e Iggy and the Stooges. De la misma forma que cualquier pieza de punk no puede exceder los tres minutos si quiere seguir siendo punk, el movimiento punk no podía durar intacto sino unos cuantos años, y para finales de los 70 había un nuevo sonido rondando la escena londinense, denominado vagamente post-punk, el cual conservaba la estructura punk pero abandonando la anarquía de panfleto en favor de una lírica intrsopectiva cercana a la de Lou Reed y Bowie. Poco después, unas cuantas entrevistas a los miembros de bandas post-punk se confabularían para darle un nombre al nuevo movimiento: el manager de Joy Division, Anthony H. Wilson, diría en una entrevista para la BBC (15-Sept-1979)que comparado con el pop del mainstream el sonido de la banda de Ian Curtis era gótico; el golpe de gracia lo daría Abbo, cantante de UK Decay, al declarar a la prensa "We´re into de whole gothic thing" (Febrero de 1981). Ian Astbury, de Southern Death Cult, comentó para Alternative Press (Noviembre del 94) que en realidad todo había comenzado como un chiste local: en algún momento entre 1982 y 1983 el había llamado a Andi Sex Gang "Gothic Goblin" y "Count Visigoth" (y a sus seguidores "goths")porque el tipo vivía en un edificio llamado "Visigoth Towers", en la zona más barata de Brixton. Más tarde un estereotipo de imagen, que se consolidó al crearse antros como el legendario Batcave londinense (abierto en julio del 82) y la asociación (ocasional al principio, parte indisoluble hoy día) con los ideales estéticos de la literatura gótica, se encargaron del resto.

A grandes rasgos, y con algunas pequeñas variantes, se reconocen tres momentos en la historia del rock gótico:

a)El Primer Gótico.

Es decir la vieja escuela, gente que pensaba tener una banda de punk o new wave, y que de pronto se encontró dentro de una nueva categoría, lo cual no les incomodó mucho que digamos. Aquí caben Joy Division, The Cure, Siouxsie and The Banshees, Southern Death Cult, UK Decay y Bauhaus (si bien estos últimos fueron los primeros en desarrollar elementos inconfundiblemente darkies, ya muy lejos del punk). Estos grupos no negaban sus afinidades ni su ascendencia: Robert Smith, líder de The Cure, fue durante algún tiempo miembro de The Banshees (se le puede ver junto al resto de la banda paseando por Venecia en el video de "Dear Prudence") e incluso formó un efímero grupo llamado The Glove junto a Steve Severin (bajista de The Banshees). En cuanto a lo de la ascendencia, baste decir que dos de los temas más recordados de Bauhaus están íntimamente ligados a la figura de David Bowie. Me refiero a "Ziggy Stardust" (tomada del album del mismo nombre, grabado por Bowie en 1972) y "Bela Lugosi's Dead", interpretada por Peter Murphy en "The Hunger", película de tema vampírico protagonizada por el propio Bowie; Siouxsie and the Banshees hicieron lo propio con el tema "The Passenger" de Iggy Pop (además, en sus primeros años como cantante, Siouxsie llegó a compartir escenario con Sid Vicious).

b)La Segunda Generación (la mayor parte de los ochenta).

Se trata de grupos que llegan para incorporarse a un fenómeno que ya tiene su buen repertorio de lugares comunes en cuanto a imagen, temas y sonido: Sisters of Mercy, Sex Gang Children, Alien Sex Fiend, Christian Death, Fields of the Nephilim, etc.

De forma paralela a este tipo de gótico surgen los grupos del sello 4AD, fundado en 1980 por Ivo Watts-Russell. Aunque Ivo se empeñó en desmentir la existencia de un "sonido 4AD", lo cierto es que todas las producciones de dicha casa eran inconfundibles, desde el diseño de las portadas hasta la tendencia hacia la música etérea y envolvente; a la larga, el "sonido 4AD" engendraría muchas secuelas, como el electrodark (o darkwave) y el dream pop. Algunas de las bandas de 4AD: Dead Can Dance, Cocteau Twins, Clan of Xymox, Xmal Deutschland, The Birthday Party y This Mortal Coil (éste último fue un colectivo dirigido por el propio Ivo, en el cual colaboraró de una u otra forma casi toda la nómina de 4AD). Al mismo tiempo, algunos goths comenzaron a incluir entre sus preferencias a grupos industriales como Ministry (y los demás proyectos de Alain Jouguensen en el sello Wax Trax), Einsturzende Neubauten, Die Form, Die Krupps, Front 242, Front Line Assembly y KMFDM.

c)La Tercera Generación.

Al finalizar la década de los ochenta el futuro del rock gótico no estaba muy claro. Por una parte, este género ya había creado algunos grandes títulos, como el Disintegration de The Cure (1989)o el Blue Bell Knoll de Cocteau Twins (1988), pero al mismo tiempo muchos grupos habían desaparecido, mientras que otros vivían bajo una constante amenaza de desintegración (al parecer el protagonismo es uno de los males más recurrentes entre los músicos dark) y nuevos géneros de rock reclamaban la atención de los medios. En medio de ese incierto panorama surgió una banda que, aun estando muy lejos del nivel de Bauhaus o Sisters of Mercy, cumplió un papel determinante en la conservación de la escena oscura: Rosetta Stone. Este grupo británico consiguió una imagen y sonidos inconfundiblemente góticos en un tiempo en el que ya nadie daba un centavo por el gótico, sirviendo como puente entre la vieja generación y el alud de manifestaciones oscuras que estaban por tomar el mundo desde los medios independientes. Los tiempos en que Peter Murphy o Siouxsie Sioux podían tener un relativo éxito en la radio habían quedado atrás y ahora había que abrirse el camino desde las disqueras independientes: Projekt, Hyperium, Cleopatra, Cold Meat Industry, Prikosnovénie, Hall of Sermon, Dancing Ferret, entre otras, se convirtieron en el refugio del gótico. Paradójicamente, este alejamiento de los medios masivos trajo consigo el mayor auge que el movimiento ha tenido, extendiéndose a más países y adoptando numerosos subgéneros: aparecen grupos que recuperan sonidos propios de la música medieval y renacentista (Sopor Aeternus, Ataraxia, Jaramar), metal gótico del norte de Europa (Nightwish, The Gathering, After Forever, Within Temptation), visual rock de ascendencia glam en Japón (Dir en Grey, Malice Mizer), darkwave (los propios Roseta Stone, VNV Nation, Covenant, Hocico, Apoptygma Berzerk), dreampop o pop etéreo (Chandeen, Cranes, The Changelings, Bel Canto), así como grupos que tienen un pie en la canción de autor (en la tradición de Cohen y Waits) y otro en el dark, como Human Drama y los Future Bible Heroes del hiperactivo Stephin Merritt (también lider de The Magnetic Fields, The Gothic Archies y The 6ths). Dos de los grupos más representativos de esta tercera generación del rock gótico son Lacrimosa y London After Midnight.

¿Qué fue de toda esta gente? Joy Division desapareció después del suicidio de Ian Curtis (18-Mayo-1980, a los 23 años), y el resto de la banda se ha ido desgranando en diversos proyectos más encaminados al new wave y el techno (New Order, Monaco, Electronic, The Other Two) en los que el único recuerdo del sonido de Joy Division acaso sea la base rítmica de Peter Hook. The Cure se mantiene con vida o se ha desintegrado, todo depende del humor con el que hoy se levante Robert Smith. Siouxsie Sioux y Budgie continuan con The Creatures, banda formada originalmente como un proyecto paralelo a The Banshees; Bauhaus ha estado dividido entre Love and Rockets (la banda de Daniel Ash y David J.) y la carrera solista de Peter Murphy, aunque en 1998 tuvieron una gira de reunión, la cual quedó registrada en video bajo el nombre de "Gotham". The Sisters of Mercy se convirtió en la banda de un sólo hombre, Andrew Eldritch, quien hasta la fecha sigue renegando de la etiqueta de gótico (lo que, por lo demás, es una actitud netamente gótica). Dead Can Dance se ha disuelto: Lisa Gerrard ha realizado soundtracks para películas de Michael Mann y Ridley Scott, mientras Brendan Perry continúa con su carrera en solitario. Nick Cave terminó con The Birthday Party en 1983 y ha tenido una frucrtífera carrera con sus Bad Seeds (sus colaboraciones con Ute Lemper y P.J. Harvey son indispensables), mientras que Clan of Xymox sigue con vida después de haber coqueteado con el synthpop durante algunos años.

Cocteau Twins se desintegró oficialmente en junio de 1998, pero podemos seguir escuchando la voz de Elizabeth Fraser en lugares tan diversos como la canción "Teardrop" de Massive Attack o el soundtrack de "El Señor de los Anillos", y su guitarrista Robin Guthrie ahora tiene una nueva banda, Violet Indiana. Carl McCoy abandonó Fiedls of the Nephilim en el 91 y formó The Nefilim, con un sonido más próximo al metal; también sigue en circulación una banda que se hace llamar Christian Death, lidereada por Valor y con un sonido más electrónico, que sólo es un mal chiste comparada con la época del desaparecido Rozz Williams (quien se quitó la vida el 1 de abril del 1998). London After Midnight es considerado uno de los pilares del género hoy día, a pesar de su brevísima discografía. En cuanto a Lacrimosa, Tilo Wolff alcanzó su mejor momento con "Satura", desde entonces se ha dedicado a mantenerse en el top-goth y de vez en cuando atraviesa el Atlántico para hacer su agosto en el estos lados.

Divisiones de la Música Gótica

La música del género gótico ha recibido influencias del punk, rock, industrial, y en algunos casos el metal, incorporando a su vez otros sonidos y experimentando con nuevos estilos. Al paso de varios años la música gótica ha ido evolucionando desde un Sisters of Mercy hasta un Neuroticfish y ya cuenta con varias clasificaciones, aunque a veces algunos proyectos no parecen estar en la clasificación adecuada ya que emplean más de un estilo, Esto no signfica que debamos encasillar a una banda en cierto género, ya que muchas de ellas no gustan de ser clasificadas solamente de un modo, tendiendo a experimentar. Más bien se utiliza un nombre para cierto género para darnos una idea de a que es a lo que suena.

Gótico Etéreo – Heavenly Voices o Fairy voices

Emplea voces etéreas, en su mayoría de mujeres, con bases de sonidos oscuros, experimentales, folks, medievales, etc. Bandas representativas: Cocteau twins, Ataraxia, Autumn tears, sToa, Black tape for a blue girl.

Goth-Rock

Como su nombre lo dice esta categoría es la del gótico más guitarreroso de tintes muy marcados por el rock, pero sin dejar de ser oscuro.Bandas representativas: The sisters of mercy, Bauhaus, Type o negative, Joy division.

Ambience – Dark Ambient

Este tipo de bandas suele mezclar voces etéreas con música ya sea totalmente ambiental o hasta ruidos, sonidos que evocan paisajes en la mente y se proyectan en una atmosfera.Bandas representativas: Delerium, Dead can dance, Tweaker, Mortïs, The midnight syndicate

Goth – Industrial

Bueno, este es el lado más industrial dentro del gótico, creo que también su nombre es algo obvio.Bandas representativas: Skinny puppy, Kmfdm, Wumpscut, Front 242, Covenant, Einstürzende Neubauten.

Goth – Metal

A algunos no les gusta esta categoría por el hecho de que me mezcla el metal con el gótico, pero lo cierto es que esta unión existe, y sinceramente suena bien.Bandas representativas: The sins of thy beloved, Alas, Haggard, Tristania, Blackmore’s night (Esta última es una banda demasiado interesante).

Synthpop – Future pop

Esta categoría no es tanto gótica, pero hay muchas bandas de tintes oscuros, el Synth y el Future, no son la misma cosa, ambos emplean el electrónico, pero el Future es más una evolución, varias bandas que empezaron como un goth-industrial ahora ya son clasificadas como future pop, puesto que evolucionaron en sus sonidos.Bandas representativas: Vnv Nation, Apotygma Berzerck, Icon of coil, Neuroticfish, Melotron, Echo image, The dust of basement, Faith Assembly, S.p.o.c.k.

Dark Wave

Es una rama relativamente nueva de música industrial, combinando la naturaleza áspera de música más vieja industrial con los elementos de baile y el godo. Deformado vocales, y de baile, a
traves de elementos electrónicos, aunque algunas bandas lo mezclan con instrumentos clasicos.

Informacion tomada de Ciudad Gotica

DIFERENCIAS ENTRE DARKETOS Y GOTICOS

Primera diferencia encontrada, el aspecto del comienzo de cada una: Mientras el Dark comenzó como contra cultura en la época de los 70 y 80 con el nacimiento de la música llamada oscura, el gótico tuvo nacimiento como cultura y no como contra cultura en los años 220 D.C. con el nacimiento del imperio godo.

Diferencia de unificación cultural:

El Dark unifico las unidades culturales en la época de los 70 y 80, dándole aspectos y englobando a su contra cultura distintos aspectos del arte, literatura, etc. de otras índoles culturales. El aspecto de unificación cultural del gótico fue creado propiamente dicho de si misma, al principio creo y unifico su propio pensamiento religioso en el 230 D.C. con su propia división de un pensamiento cristiano liberal pagano. Después creo su propia escultura y arquitectura en la época de la edad oscura, en la edad media creo su propia filosofía. Pasando la edad media y llegando a fines de la era renacentista creo su propia lengua literaria y su propio estilo literario llamado literatura gótica y romántica.

Aspecto musical:

Las divisiones de la música Gótica son: Occult Folk, Gothic Folk, Dark Ambient, Etereal, New Wave, DarkWave, Post Punk, Gothic, Gothic Rock, Death Rock, BathCave, Industrial y Industrial Rock. En el Dark además de estas divisiones debemos agregar divisiones tales como EBM, ElectroDark, SynthPop, Noise y todo aquello que tenga tintes oscuros.

Tipo de vestimenta:

En el Dark la vestimenta únicamente aceptada es negra, implica modalidades de vestimenta actuales desde la época de los 70 en adelante. Culturalmente en el gótico son utilizado la mayoría de colores neutros, no tan claros y diversificados, quedando el negro como un color opcional entre otros tantos como el color vino, el morado, el rojo rubí, el gris, etc; las modalidades utilizadas no implica tiempo, utilizándose también vestimenta medieval, renacentista etc.

Pensamiento:

En el gótico la relación entre pensamiento social es de extrema búsqueda de si mismo, de su vínculo espiritual y de su ser interior. Esto lo hace tener un pensamiento más espiritual y existencial. En el Dark el pensamiento social es totalmente mas liberal, no llevando a una búsqueda de un vinculo social ni espiritual, sino racional y pensante.

Sentimientos:

El Gótico toma parte de si y lo reconoce como propio disfrutando a cada segundo de sus propios sentimientos, la tristeza, la melancolía, el pensamiento oscuro, el misterio, lo tétrico, la soledad, el amor; forma una estructura que lo lleva a la felicidad sin renegar de ella. El Dark hace de estos sentimientos una polución combativa con si mismo y ellos, llevándolos a los extremos y justificándolos hasta muchas veces combatir consigo mismos y sus pensamientos. Muchos de los Darks terminan hasta llegar a un estado emocional donde la muerte es lo que mas desean, inclusive hasta alcanzar el suicidio, todo por llevar y potenciar sus estados emocionales.

Relacion con sus pares:

La individualidad social y el resumen con sus pares en el Dark es de un aspecto antisocial, esto nos lleva a decir que tienden a no reunirse y llevar a cabo sus actividades con sus iguales, no solo repudiando a los que están fuera de su sociedad, sino también a los que están adentro de ella. Este aspecto no es general sino mayoritario resumiéndolo como un ser unipersonal. El gótico nos enseña a tener una posesión personal de si mismo conformando una unidad conjugada a su propia cultura, por ende, el gótico se reune con sus pares, relacionándose básicamente en reuniones, fiestas o quermeses. Aunque considera la unión social, esta misma únicamente se da entre sus pares, dejando afuera y rechazando cualquier individuo que no pertenezca a ella llamándolos muchas veces gente comunes o la sociedad común y consumista.

Expresiones artísticas:

Unidos con su forma espiritual, su arte es una viva representación de ello, siendo su literatura y expresión artista mas imaginativa, gustosa de comparaciones y formato de lenguas antiguas. Todo este cúmulo de expresión es tan solo un reflejo de su propio espíritu, llevando a una búsqueda de su propia expresión ligados con la melancolía, lo tétrico, lo místico y todo lo que encierra en su cultura, es por esto que de seguro cada individuo gótico tenga una amplia disposición hacia el arte o algunas de sus ramas. Sistemáticamente el Dark es más crudo en sus expresiones artísticas, tienden a un aspecto más minimalistas y pensante; llevando a un vaciamiento de las riquezas lingüísticas e imaginativa en su arte, pero un aspecto mucho más simple y directo.

Reflejo estético:

La estética del gótico es mas extravagante que la del Dark, siendo la del Dark más neutra, si bien muchas veces tiende a ser la misma, la Gótica tiene un aspecto mas simbólico

Diferencia espiritual:

Ligados con su espíritu y su reconocimiento como entidad egoica, no es raro que el gótico tienda a reconocerse a si mismo como un espíritu eterno; muchas veces identificado con espíritus místicos. Hasta muchas veces dicen tener su condición cultural como algo extraído anteriormente a su nacimiento. En el Dark la condición espiritual esta desligada de si mismo, llevándolo a un aspecto secundario y no primario, su reconocimiento es como un ejemplo más mental y neutro obtenido de un concepto más pensante y filosófico.

Otros aspectos:

El gótico defiende su condición como integrante de su cultura y su condición como parte de ella. El aspecto individualista de la contra cultura Dark muchas veces lo lleva a no reconocerse a si mismo como integrante de su propia contra cultura. También debo aclarar que para el gótico la idea de la vida eterna y la no muerte del ser es un punto en su filosofía de vida cotidiana sin ponerlo en duda. En el Dark esto es un aspecto más combativo, llevando a muchos a no creer en ella y otras veces a discernirlo.

NOTA: En cuanto a la Religion, es muy variado ya que depende del individuo y de su origen.; aunque el individuo gótico esta mas ligado a lo pagano, mientras el Dark a un punto neutro.

CINE GÓTICO Y LITERATURA

Decir a estas alturas que el séptimo arte tiene una gran deuda con la literatura produce cierto sonrojo. Ahora bien, no todas las corrientes y estilos literarios han participado en el engrandecimiento del cine de la misma manera. La literatura gótica, junto a la de aventuras y la ciencia ficción, quizás sea la corriente literaria que más repercusión haya tenido en la historia del cine desde sus inicios hasta nuestros días, al menos como generador de iconos universales.
El gótico literario tiene su punto de arranque en la Inglaterra de finales del XVIII, como reacción a una concepción filosófica y estética racionalista que provenía de la Ilustración. A lo largo de todo el siglo XIX la literatura gótica desarrollará una ingente variedad de tramas y estilos narrativos: desde el cuento sobrenatural, a la novela de fantasmas, pasando por los relatos de detectives o los dramas por entregas. Sin embargo, el término “gótico” aplicado al cine va a ser utilizado generalmente para referirnos al género de terror, aunque dicha estética vaya a estar también presente en otros géneros, como el cine negro o la ciencia ficción. Y de igual manera que el cine gótico no se puede circunscribir únicamente al cine de miedo, no todo el cine de terror que hoy conocemos podemos considerarlo gótico: el gore, que nace de las películas de serie B de finales de los 60 y 70, o el más reciente nuevo terror adolescente —donde jovencitos adinerados sufren las manías persecutorias de un psicópata— tienen poco ya que ver con el terror clásico que inspiraron los Bram Stoker, Walpole o Lovecraft.
Pero realmente, ¿cuáles son las características del terror gótico? En primer lugar, y como punto de partida, hay que decir que en la propia naturaleza del género reside una continua exaltación de lo “subjetivo”, frente al naturalismo de algunas escuelas (documentalistas y neorrealistas principalmente) que buscan representar una realidad más o menos “objetiva”. Lo fundamental en el terror gótico es transmitir la visión de un mundo misterioso e inquietante, donde el hombre está indefenso a expensas de fuerzas superiores a su voluntad. La decadencia de una sociedad decrépita, las imágenes de locura y muerte, los fantasmas ancestrales y las escenas oníricas serán las principales señas de identidad de este cine, fiel a la tradición literaria del gótico de finales del siglo XVIII y del XIX. Pero el cine gótico se caracterizará sobre todo por una exageración dramática sublime, tanto en las formas como en el fondo, creando un marco sobrenatural inigualable para que personajes siniestros provoquen el escalofrío y el horror a sus anchas en el espectador.
Para encontrar los orígenes del cine de terror gótico debemos remontarnos al cine mudo. En esta etapa inicial los géneros más sobresalientes fueron el épico (superproducciones que recreaban hechos históricos, como Cabiria, El nacimiento de una nación u Octubre, entre muchas otras), el cine cómico (Mark Sennet, Chaplin, Harold Lloyd o Buster Keaton) y finalmente, el cine de terror, amén de otro cine destinado al gran público y más cercano al melodrama. Las primeras fuentes de inspiración de los cineastas vinieron de la mano de la literatura y, muy en especial, de la novela.
¿Por qué llegan con mayor fuerza a la gran pantalla los relatos de la literatura gótica que las historias de las novelas de corrientes realistas y naturalistas del siglo XIX? Evidentemente, el potencial estético del joven arte para crear imágenes sugestivas no podía pasar desapercibido para los productores de la época. Tras la rica experiencia del teatro romántico y el emergente teatro expresionista, la industria del cine aprovechará su capacidad referencial para ilustrar lo que hasta ahora sólo se había podido leer o ver sobre un escenario, y será en la estética expresionista donde las historias de terror encontrarán un perfecto acomodo.
Al igual que en pintura y teatro, el expresionismo cinematográfico nace en Alemania como un movimiento de vanguardia cuya motivación principal es la de provocar, removiendo la conciencia del espectador, creando imágenes angustiosas. Para ello, se dotará de una plástica escenográfica propia —con decorados donde abundan las paredes inclinadas y las formas angulosas, utilizando la luz y la sombra para crear ambientes sugestivos— que llegará en buena parte hasta nuestros días como convenciones del género de terror, si bien sin las extravagancias de los primeros momentos. Este nuevo arte expresionista, tan exagerado en sus formas como cuidado en sus argumentos, encontrará en la literatura de terror del XVIII y XIX un perfecto filón que explotar. A diferencia de las producciones épicas o cómicas, que en gran número partirán de guiones originales, el terror beberá directamente del riquísimo legado literario gótico y lo hará mediante adaptaciones bastante fieles al original.
Con el paso del tiempo, estas películas pasarán a formar parte de la historia de la cultura iconográfica universal. Los paisajes inhóspitos, los castillos abandonados, la sobreactuación de los actores heredada del teatro romántico (recuerden la interpretación histriónica del Conde Drácula de Bela Lugosi), los ambientes de pesadilla y los universos paralelos serán la fuente de inspiración para las primeras obras producidas por la Universal y para los expresionistas Fritz Lang, Robert Wienne o Murnau. Por el contrario, en esta primera etapa muda la influencia de la literatura “realista”, donde la fuerza del diálogo es fundamental, no alcanzará su máximo esplendor hasta la llegada del cine sonoro a finales de la tercera década del siglo XX. Resulta curioso que en Inglaterra, con la rica tradición de novela y melodrama teatral góticos, sus cineastas no prestaran excesiva atención a tales obras hasta la aparición de la productora Hammer a mediados de la década de los 50, dando comienzo un renacer del género con la incorporación del color. Por primera vez se veía en pantalla el rojo intenso de la hemoglobina. Millones de espectadores se horrorizaron al ver chorrear la sangre por los colmillos del incombustible Christopher Lee.
Para el mundo del cine, uno de los aspectos más atractivos de la literatura gótica siempre ha sido la descripción de atmósferas asfixiantes, donde los paisajes sobrecogedores y las noches de luna sugieren imágenes escalofriantes. Pero amén de castillos abandonados, callejones oscuros y sótanos infectos, donde el terror filmado encontrará la horma de su zapato será en el monstruo. En buena parte de los casos serán criaturas semihumanas o con alguna extraña mezcla de animal esotérico (lobos, murciélagos, reptiles, insectos, etc). Otras veces en cambio, serán hombres que pierden sus facultades humanas por algún motivo (Frankenstein, el Dr. Jeckyll), locos asesinos (Jack, el destripador) o depravados (El enterrador de cuerpos). Pero de todos los monstruos, el más representado en la historia del cine será el vampiro, con su noble encarnación en el Conde Drácula.
Todos estos monstruos han sido representados una y otra vez hasta convertirse en verdaderos mitos del siglo XX, gracias al ingenio de los R.L. Stevenson, Mary Shelley o Pollidori. El cine por sí mismo nunca hubiera sido capaz de crear tan magnéticas y fantásticas criaturas.
La segunda gran aportación de la narración gótica, tanto o más importante que la anterior, será la concepción del espacio. Sólo hay que recordar las riquísimas y prolijas descripciones de H.P Lovecraft o Edgar Allan Poe, donde los ambientes juegan un papel tan importante como los personajes: cementerios, bosques, castillos, pasadizos, criptas, casas abandonadas, posadas en medio del camino... Todo ello recrea los miedos ancestrales del hombre, el miedo a la oscuridad, a la soledad en espacios peligrosos, el miedo a lo desconocido y, finalmente o el miedo a la muerte.
Y buena parte de culpa la tendrán los elementos expresionistas, anteriormente citados, que pervivirán en este cine de terror más allá de sus comienzos experimentales. Así, casi noventa años después de “El gabinete del Dr. Caligari”, “M, el vampiro de Dusseldorf”, “Nosferatu” o “El testamento del Dr. Mabuse”, siguen inquietándonos recursos tan sencillos como efectivos, mil y una vez vistos, como una puerta entreabierta en lo alto de una escalera.
El terror gótico, a diferencia de otras producciones de terror tiene preferentemente una ubicación temporal en épocas remotas, especialmente en la Inglaterra victoriana. Allí se desarrolla uno de los relatos más espeluznantes llevados a la gran pantalla: “El extraño caso del Dr. Jeckyll y Mr. Hyde”. En esta ocasión, a diferencia de Drácula o Frankenstein, el monstruo habita en un ser humano que le impulsa indefectiblemente a matar. El mal está en nosotros.
El terror desgarrado de los suburbios del Londres del XIX y de viejos castillos convive también con un terror de estirpe romántica y humanista encarnado por Frankenstein. Al igual que en el caso de Drácula existen diferentes versiones de esta obra: primero, un Frankenstein siniestro y asesino hasta la versión más edulcorada rodada hace unos años por Kenneth Brannagh. Lo mismo ocurre con Drácula, que comenzó con una interpretación barroca y elegante, encarnada por Bela Lugosi, pasó por el satánico y embaucador Drácula de Christopher Lee hasta llegar de nuevo a la romántica y sensual versión del maestro Coppola.
Todos ellos tienen una cualidad en común: la decadencia propia del romanticismo, el horror como algo sublime, la erótica de la sangre y el escalofrío, la sensual belleza de lo prohibido. Por el contrario, la mayor parte del cine de terror de nuestros días parece orientarse más hacia lo sensitivo, al gusto por el susto fácil, al tedioso juego de descubrir al asesino o, directamente, a provocar la náusea gracias a jugosas escenas de vísceras y demás truculencias. Tras la intensísima producción de la Hammer en los años 50 y 60, no han sido muchos los que han continuado cultivando este género, salvo honrosas excepciones. El barroquismo de algunas películas de Tim Burton­ ­—“Eduardo Manostijeras”, “Sleepy Hollow”— sin entrar en el campo del terror propiamente dicho, apuntan a este director como uno de los herederos más directos de los Jacques Tourneur y compañía. De todas formas, no cabe descartar un nuevo resurgir de este cine si tenemos en cuenta cierta corriente revival que se viene instalando lentamente en los grandes estudios desde la década pasada. Dependerá, en buena parte, de la producción literaria.



Luis F.Trocóniz